두 거장 명곡 듣기

여섯 감상 주제

같은 주제 아래 두 작곡가의 작품을 번갈아 들어 보세요. 서로 다른 길이 어디서 갈라지고 어디서 다시 스치는지 들립니다.

• 주제 1 혁명 이전의 얼굴

  후기낭만주의의 정서와 러시아적 관현악 색채

  두 사람 모두 처음부터 ‘혁명가’는 아니었습니다. 젊은 쇤베르크는 바그너와 브람스의 짙은 화성 속에서 사랑과 용서를 노래했고, 젊은 스트라빈스키는 스승 림스키코르사코프에게 배운 화려한 관현악으로 러시아 민담을 그렸습니다. 출발점의 얼굴을 먼저 들어 두면, 뒤에서 무엇이 바뀌었는지가 또렷하게 들립니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

• 주제 2 익숙한 질서가 흔들리다

  자유무조와 리듬·강세의 혁신

  1909년 무렵 쇤베르크는 모든 음이 으뜸음으로 돌아가는 조성의 중력을 내려놓았고, 1913년 스트라빈스키는 박자와 강세의 규칙을 뒤흔들었습니다. 한 사람은 ‘화음이 어디로 가야 하는가’를, 다른 사람은 ‘박이 어디에 떨어져야 하는가’를 다시 물었습니다. 흔들린 것은 서로 다른 축이었지만, 듣는 이의 예상이 깨진다는 점은 같았습니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

• 주제 3 목소리와 무대의 실험

  말과 노래, 발레와 음악극

  말하듯 노래하는 목소리, 낭독자와 일곱 명의 연주자로 꾸린 이동 극장, 피아노 네 대가 울리는 시골 결혼식. 두 작곡가는 노래와 말, 연주와 몸짓의 경계를 시험했습니다. 쇤베르크는 목소리 자체의 질감을 바꾸었고, 스트라빈스키는 무대의 형식을 바꾸었습니다. 1912년 베를린에서 스트라빈스키가 《달에 홀린 피에로》를 직접 들은 일은 두 길이 처음 스친 순간이기도 합니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

• 주제 4 새로운 질서를 만들다

  12음기법과 신고전주의

  1920년대 초, 두 사람은 각자 새 질서를 세웠습니다. 쇤베르크는 열두 음을 하나의 순서(음렬)로 묶어 작품 전체를 짜는 12음기법을 체계화했고, 스트라빈스키는 18세기의 선율과 형식을 빌려 와 날카롭게 다시 짜는 신고전주의로 돌아섰습니다. 흥미롭게도 쇤베르크의 첫 12음 작품 역시 바로크 춤곡 모음의 틀을 빌렸습니다. 새것과 옛것은 생각보다 가까이 있었습니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

• 주제 5 전통을 다시 듣다

  대위법·변주·고전 형식의 재해석

  변주곡, 협주곡, 이중 푸가, 교향곡. 두 사람은 오래된 형식을 버리지 않고 새로운 재료로 다시 채웠습니다. 쇤베르크는 바흐의 이름(B–A–C–H)을 12음 관현악 속에 새겨 넣었고, 스트라빈스키는 시편 합창과 브란덴부르크 협주곡의 기억을 자신의 리듬으로 다시 썼습니다. 전통을 대하는 태도의 차이가 가장 선명하게 드러나는 자리입니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

• 주제 6 두 길이 만나는 곳

  후기 작품과 스트라빈스키의 음렬기법

  1940년대 두 사람은 모두 로스앤젤레스에 살았지만 거의 만나지 않았습니다. 쇤베르크는 1925년 합창곡에서 신고전주의를 ‘꼬마 모던스키’라고 비꼬기도 했습니다. 그런데 1951년 쇤베르크가 세상을 떠난 뒤, 스트라빈스키는 젊은 지휘자 로버트 크래프트와 함께 쇤베르크와 베베른의 음렬음악을 깊이 공부하며 자신의 말년 양식을 열었습니다. 서로 다른 출발점에서 시작한 두 길이 마지막에 한 지점을 스칩니다.

  쇤베르크 작품으로 · 스트라빈스키 작품으로

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